Esta es la historia de una de las sagas más fecundas de la música popular española, dos discos, dos formaciones, pero un nexo común, una continuidad; una colección de canciones irrepetibles, que no han envejecido en absoluto, porque lo bueno nunca envejece.
El grupo Solera es el primer eslabón de esta cadena, que tendría continuidad un año después con Cánovas, Rogrigo, Adolfo y Guzmán (CRAG); dos discos míticos, dos grupos de culto, leyenda viva de la música española.
En 1972 dos hermanos, José Antonio y Manuel Martín, crean un dúo con el nombre de José y Manuel, con una orientación basicamente folk, a ellos se unen dos músicos extraordinarios, Rogrigo García y José María Guzmán.
Rodrigo, sevillano de nacimiento, emigró a Colombia siendo un niño y a mediados de los sesenta, formó parte de la banda "los speakers", algún día habrá que reivindicar el Pop-Rock que se hizo en Iberoamérica en aquella época; de vuelta a España, forma parte de Los Pekenikes en 1971, y participa como músico de sesión en las grabaciones de la época, es un magnífico guitarrista.
José María Guzmán, muy influenciado por el Pop británico, es en aquella época un bajista prestigioso, que como Rodrigo, también es un demandado músico de sesión.
Y así surge Solera, y su disco homónimo, un álbum variado, con unas armonías perfectas, trufado de muchas influencias, con un sonido cercano al de la Costa Oeste americana. la calidad de las canciones es enorme, y con esa materia prima, Rafael Trabucchelli, productor del disco, dota de una orquestación a los temas que los envuelve, pero no quedan ahogados en ella.
El disco tuvo muy buenas críticas, pero escasas ventas, falta de promoción sobretodo. Dentro del grupo empezaron las diferencias creativas que llevaron a su disolución. Posteriormente Rodrigo y Guzmán se integrarían en CRAG, pero ese será el siguiente capítulo de esta historia.
Destacar sobretodo la figura de Rodrigo García, uno de los mejores compositores de este país, al que nunca se le ha hecho justicia, arrinconado en este país cainita y olvidadizo como pocos.
La canción que he elegido para complementar esta entrada, no es de las más conocidas del disco, podría haber elegido "Calles del viejo París" o "Linda prima", mucho más famosas y además con vídeos de ellos interpretándolas, pero me dejo llevar por mis debilidades, y esta es una de ellas. Este tema, "Volverás", compuesto y cantado por Rodrigo, donde se ve claramente su calidad compositiva, sobretodo para las letras, es un claro ejemplo de la calidad de todo el disco, una maravilla que espero disfrutéis y os animé a conocer más a fondo la música de esta efímera, pero imprescindible banda.
Lillian Gish (1893-1993) Quiero correr descalzo por el campo de tus sueños, Quiero sentir en mi piel desnuda tus espigas de mujer, Quiero ser la flor que enerva tu cabello, Quiero envenenarme con el cigarrillo de tu boca. Quiero aprender tu geografía, Quiero conocer tu historia, Quiero descifrar tu álgebra, Quiero fundirme en tu química. Quiero vivirte para no morir cada día, Quiero respirarte para no ahogarme sin tu recuerdo, Quiero beberte para embriagarme con tu licor de hembra, Quiero amarte, porque necesito hacerlo. J.Carlos
El recuerdo que ha quedado de Marisol (Pepa Flores) hoy en día, y después de treinta años de su retirada del mundo del espectáculo, puede que se reduzca a las películas que rodó en los sesenta, cuando aquella niña rubia y pizpireta deleitaba a las familias con aquel cine tan meloso. Si hablamos de su faceta musical, la cosa se complica aún más, como mucho se acordarán de "Tómbola", "Corazón Contento" o "Mami Panchita", algún iniciado de "Hablame del Mar Marinero".
Pués se olvidan o no conocieron su etapa más interesante, con diferencia, de su carrera. Cuando en 1976 Manuel Alejandro le compone el disco "Hablame del Mar Marinero", Marisol inicia su etapa madura a nivel musical, como ya la había empezado en el cine años antes.
Marisol, para mi una de las mejores voces femeninas de la música popular española; esa voz grave, capaz de transmitir todos los matices posibles al cantar, de una ductilidad asombrosa, con ese "deje" malagueño que salía de vez en cuando a relucir.
Con esas herramientas, Marisol grabó una serie de discos excepcionales desde 1976 a 1983, donde en un esfuerzo titánico por huir de su etapa de niña prodigio, y arropada por los mejores compositores de este país, el citado Manuel Alejandro, Luis Eduardo Aute o "Caco" Senante, grabó una serie de canciones que tendrían que estar esculpidas en mármol en la historia de la música española, pero que hoy en día están totalmente olvidadas.
Marisol, expoliada y explotada sin compasión, que le robaron toda su infancia y juventud. Que cayo rendida a los pies de Antonio Gades, que la abdujo sentimental. artística y politicamente, para luego abandonarla, en fin para que seguir.
La carrera artística de Marisol, ya Pepa Flores, se cierra a mediados de lo ochenta, cuando rodó su última película, y en su faceta musical se cerró con una desastrosa gira de dieciséis conciertos, que quedaron en diez, donde el público quería oír "Tómbola" y no "Marinero en Tierra".
Desde entonces vive retirada en su Málaga natal, con su pareja, sus perros y como ella misma dice, aprendiendo a quererse a si misma, cosa que nunca consiguió en su etapa artística.
Como complemento a esta entrada os dejo mi canción favorita de ella, tengo muchas que lo son; de su álbum "Si no te Quisiera Tanto", esta maravilla compuesta por Juan Carlos "Caco" Senante, donde expresa esas ansias de libertad que siempre soñó y hoy por fin puede disfrutar.
Pepa, que me alegro que seas feliz, ya te iba tocando.
J.Carlos
PD: dedicado a l@s que aman las gaviotas; volar alto, volar libres.
Pedro Ruy Blas es el típico ejemplo de lo que los anglosajones denominan "One hit wonder", es decir, un artista de un solo éxito, pero eso no menosprecia en absoluto una carrera muy rica y variada, de alto contenido musical, aunque solo una vez conociera las mieles del éxito masivo, que creo que no le importara mucho.
Pedro Ruy Blas, nombre artístico de Pedro Ample Candel, nació en 1949 en Madrid. Desde muy joven se integra en algunos grupos, pero su gran oportunidad le llega a finales de 1968, cuando entra a formar parte de Los Canarios para sustituir a Teddy Bautista, vocalista y líder del grupo, que cumplía el servicio militar.
Pedro tuvo una actuación muy destacada con el grupo, y llamó la atención del productor del mismo, Alain Milhaud, mi admirado y reverenciado Alain Milhaud, el mejor productor musical que ha existido en España.
Como decía, Milhaud ve grandes posibilidades en Pedro y empieza a diseñar su lanzamiento en solitario, en una época, la primera mitad de los setenta, donde los grupos desaparecieron, el rock quedó reducido a la clandestinidad, y el mercado estaba copado por cantantes melódicos.
Milhaud buscó entre el catálogo de canciones de la discográfica la canción más adecuada para el, y eligió "Ceux que l´amour a blessés", que había grabado Johnny Hallyday con un éxito más bien discreto.
La versión de Pedro supera de largo a la original, Milhaud consiguió una producción impecable y poco habitual para un cantante melódico. Un órgano casi opresivo, un bajo y una batería contundentes e inmisericordes y una sección de metales que consiguen alcanzar unas cotas de épica inigualables. A esto se suma la voz grave de Pedro, con un toque "soul", que hacen de esta canción algo fuera de lo común, atípica completamente, pero que atrapa inmediatamente y con una calidad poco común en las producciones de aquella época.
La canción fue un bombazo, se escucho y vendió muchísimo, llegando al número uno de ventas en enero de 1971.
Ahora solo queda disfrutarla; para quien no la conoce le sorprenderá, para los que si la escucharon anteriormente, seguro que será un recuerdo muy especial.
J.Carlos
PD: A los que hirió el amor, casi nunca los que nos hicieron llorar, merecieron nuestras lágrimas.
A veces la casualidad da lugar a grandes genialidades. En 1979 Julio Matito decide volver a unir a los Smash, grupo señero del underground sevillano, e "inventores" del llamado "Rock Andaluz", gracias al tema "El Garrotín", que fue fruto glorioso de la incorporación del recientemente fallecido Manuel Molina al grupo.
Smash acudieron a grabar un programa del recordado y añorado "Musical Express" de Ángel Casas, donde muchos quinceañeros de la época echamos los dientes en esto de las músicas.
Lole y Manuel, pareja sentimental y artística formada por el ya citado Manuel Molina y la "cantaora" Lole Montoya a mediados de los setenta, y que consiguieron una revolución en el anquilosado mundo del flamenco, con unos arreglos tremendamente arriesgados e innovadores, que dotaron a su cante de un aire nuevo y fresco, que consiguió atraer a mucha gente hasta su música y al flamenco en general.
Pues en esa grabación de aquel programa coincidieron todos, y decidieron grabar un tema juntos, y les quedó una autentica maravilla. Un tema sorprendente, "Tiny Peter", presunta cara B de un single ignoto de los Smash de 1973, cantado en inglés por Julio Matito, donde los Smash aportaban el toque rockero, y la guitarra de Manuel Molina y las palmas y el "lalalá" de Lole, creaban una mezcla de estilos deliciosa, puro deleite, donde se demuestra que en la música no hay compartimentos estancos, sino que es un arte vivo que con la fusión se enriquece.
Pido disculpas por la mala calidad de la imagen, pero ante un documento así, creo que es secundario.
El pasado domingo 28 de junio, nos dejaba para siempre el extraordinario bajista, cofundador y miembro del grupo Yes, Chris Squire.
Para mi ha sido una pérdida dolorosa, de esas que casi equiparas a la de un familiar o a alguien muy cercano, desde hace 30 años, cuando yo descubrí a Yes a través del mayor de sus éxitos "Owner of a Lonely Heart", y desde entonces fui freneticamente en busca de sus otros trabajos, y casi al instante y hasta hoy se convirtieron en mi grupo favorito, su música me ha acompañado desde entonces, consolándome en los malos momentos o ayudándome a disfrutar mucho más de los buenos.
Pero aparte de eso yo he sentido siempre una profunda admiración por Chris Squire, por cierto, el único miembro del grupo que ha participado en todos sus discos. Squire era un bajista fuera de lo común, con una técnica única a la hora de tocar el bajo, una de sus características era el uso de una púa, algo no muy habitual en la mayoría de los bajistas, con el que creaba un sonido más duro y grave de lo habitual.
Yes, para mi el buque insignia del Rock Progresivo, grupo capaz de dotar a su música de un lirismo único, creando unos desarrollos musicales, que para algunos eran un tostón, pero que para mi y otros muchos eran maravillosos, llegando a alcanzar las mayores cotas de profundidad emocional que ninguna otra música me ha producido.
Un grupo donde el virtuosismo de cada uno de los componentes tocando su instrumento rozaba la perfección, permitiendo crear unos pasajes musicales llenos de épica, pasión y sensibilidad.
No os voy a aburrir detallando la historia de Yes, en internet hay cantidad de información más precisa, y seguramente más objetiva de la que yo os pueda dar, solo animaros a conocer su música, seguro que no saldréis defraudados.
Os dejo un vídeo con una de sus canciones más recordadas, perteneciente al que seguro fue su mejor álbum "Close to the Edge" de 1972, espero que os guste.
Hasta siempre Chris, donde quiera que estés espérame, que me tienes que dar unas clases de como tocar el bajo.
YES (And You and I) 1972
Y para los más sibaritas, o para quien tenga curiosidad en ver el mejor solo de bajo de la historia, os dejo este temazo, donde Squire demuestra de lo que era capaz de conseguir de su instrumento, ese mítico Rickenbaker color vainilla, que le acompañó, y al que le fue fiel desde 1965 cuando lo compró, hasta hoy, pocas bodas de oro han sido tan brillantes.
YES (The Fish) 1971
J.Carlos PD: Por cierto, mi gato curiosamente se llama ... ¡YES!
Angelo Branduardi es un músico italiano practicamente desconocido en España, y no es un recién llegado precisamente, su carrera abarca ya más de cuarenta años.
Su trayectoria siempre me ha recordado a la de Franco Battiato. Empezaron los dos en el ámbito de aquella corriente maravillosa del Rock Progresivo italiano de los setenta, el "Italian Prog", aunque Battiato en una faceta más experimental.
Branduardi siempre le dotó a su música de un carácter más lírico, con elementos del Folk y la Música Clásica, con adaptaciones de poetas como Yeats. La verdad es que hace una música maravillosa, que os animo a conocer.
El tema que os presento pertenece a su álbum de 1976 "Alla Fiera dell´Est", tocado en directo en el vídeo que completa esta entrada.
Precisamente con este tema iniciaba sus conciertos en aquellos años, con un desarrollo del tema muy superior a la duración original de este, creando párrafos instrumentales bastante largos, con el que conseguía un crescendo continuo del mismo, la influencia del ya mencionado Rock Progresivo es más que evidente.
Contaba el genial Forges en una de sus viñetas, "que se puede esperar de un país donde todos dicen haber estado en Los Pekenikes". Sin llegar a tanto, si es cierto que por el grupo pasaron cantidad de músicos en sus diferentes etapas, aquí nos vamos a centrar en su etapa más exitosa, la segunda mitad de los sesenta, donde perfilaron el sonido que les ha hecho famosos e inconfundibles.
De este grupo, como de casi toda la música española de aquella época, hay un desconocimiento, cuando no un desprecio generalizado, sin embargo tanto la música de Los Pekenikes , como de otros tantos artistas de aquellos años, alcanzaron un nivel de calidad y creatividad muy altos, como desmuestra sobradamente esta canción.
Los Pekenikes surgen a finales de los cincuenta como un grupo de adolescentes, alumnos del Instituto Ramiro de Maeztu de Madrid, que empiezan a interesarse por la música. Debutan como tales en 1959, haciendo versiones de los éxitos del momento, y ahí empieza esa especie de maldición bíblica con sus cantantes. Hasta el año 1966, donde se transforman en grupo instrumental, pasaron infinidad de ellos, Juan Pardo y Junior entre ellos.
En 1966, después de la marcha de unos de ellos, el filipino Eddy Guzmán, deciden transformarse en grupo instrumental, animados por el gran éxito de su tema "Los Cuatro Muleros", que en 1964 fue un exitazo. Ese año logran un impacto enorme con su single "Hilo de Seda" y el larga duración que sacan ese mismo año.
El núcleo fundamental de grupo lo formaban Alfonso Sainz, líder y principal Compositor, su hermano Lucas, Ignacio Martín Sequeros al bajo y Tony Luz en la guitarra rítmica. Todo ello sazonado con las impresionantes producciones de Rafael Trabucchelli, creador del famoso "sonido Torrelaguna", calle de Madrid donde estaban los estudios de Hispavox, compañía de Los Pekenikes.
Su éxito continuo hasta el final de la década, donde la marcha de los hermanos Sainz y un cierto agotamiento de su sonido, provocó la partición de grupo en dos, al marchar parte de sus miembros a la compañía Movieplay.
El tema que traigo a esta entrada, para mi el mejor del grupo, es una auténtica maravilla, un tema prodigioso, auténtica orfebrería pop, si se me permite definirlo así.
Cuenta con un continuo cambio de ritmo, con la entrada constante de nuevos instrumentos que alternan su protagonismo en la canción, con una poderosísima sección de metales, un punteo exquisito de la guitarra solista a cargo del casi recién llegado Tony Obrador, y la novedad de una pequeña parte cantada por el batería Félix Arribas.
En resumidas cuentas, un tema extraordinario, culmen absoluto de su obra musical, donde dejaron patente lo mucho que habían aprendido y lo mucho que habían trabajado en los años anteriores.
